Eric Chenaux fa musica concettuale che non suona come musica concettuale. I suoi dischi affrontano la relazione tra struttura e improvvisazione, in modi molto particolari e unici: senza cinismo ma con amore. Perché in fondo quelle di Chenaux sono canzoni d’amore, che canta con voce dolce e limpida, mentre la chitarra si piega delicatamente, diverge e scompone. A dispetto di un'innegabile vena iconoclasta, la sua musica rimane meravigliosamente calda, generosa e in ultima istanza accessibile. La giustapposizione tra crooning morbido e vellutato e le esplorazioni sperimentali della chitarra apre a nozioni inedite di accompagnamento e canto e a forme non convenzionali di interplay timbrico e tonale. Il suo è un suonare la chitarra attorno e contro la voce, improvvisando “con se stesso” allo scopo di catturare momenti di interdipendenza imprevisti e intimi. Un gioioso abbandono allo spazio improvviso e improvvisativo in cui gioco e leggerezza vengono presi molto sul serio.

Da qualche anno Eric vive a Parigi, ma è stato un caposaldo della musica DIY e sperimentale a Toronto negli anni ‘90 e 2000, leggenda del post-punk locale con Phleg Camp (assolutamente da recuperare se amate gli Shellac) e Lifelikeweeds. Dal 2006 incide per Constellation Records: una discografia geniale che spazia dal folk più avventuroso, sontuoso, languoroso e decostruito, al jazz, fino a ballate di influenza pop. Eric compone anche colonne sonore e musica per la danza, e collabora regolarmente con altri artisti: tra di essi Marla Hlady, con la quale ha realizzato numerose installazioni sonore, e il regista Eric Cazdyn, con cui ha realizzato il film "Play the Cube" nel 2014. Ha fatto inoltre parte della band del musicista canadese Sandro Perri partecipando a vari suoi album, e ha suonato, tra gli altri, con Radwan Ghazi Moumneh, Martin Armold, Pauline Oliveros, John Oswald, Michael Snow, Han Bennink, Michael Moore, ecc.

"Slowly Paradise" (2018) è il suo ultimo disco solista ed è considerato dalla critica il suo capolavoro. Gli è valso copertine della stampa specializzata (The Wire) e in Italia è stato disco del mese per la rivista Blow Up.

il video di Wild Moon, primo estratto dall'album.

E quello della bellissima "An Abandoned Rose"

E questa la stampa itallana suul suo precedentne (capo)lavoro
Qui  Blow Up (un bell'8)
Un bell'8,5 sul Mucchio
E solo un 7 su Rumore

"Ore" in streaming su The Wire: 
https://www.thewire.co.uk/audio/tracks/listen-to-ore-by-andrea-belfi 

"electronic swirls that blur the edges" - Electronic Sound Magazine
Top 5 albums of 2017 selected by Mary Anne Hobbs
Top album of 2017 selected by Gilles Peterson
2017 Records of the year by Deluxe Magazine

http://www.impattosonoro.it/2017/08/08/recensioni/andrea-belfi-ore/
http://www.rockol.it/recensioni-musicali/album/7321/andrea-belfi-ore
https://www.thenewnoise.it/andrea-belfi-ore/

Precluso il futuro, la speranza è nel passato. Precluso lo spazio, la speranza è nel tempo.

Non ci siamo più visti.
Non erano bocca e naso ad essere coperti da una mascherina, ma i nostri occhi.
Durante la pandemia non potevamo vederci.

La maschera era sugli occhi come quella del protagonista del film di Chris Marker, La Jetée.
Forse è da questo film così importante che si potrebbe ricominciare a guardare il mondo, cercare di comprendere quanto di quel che eravamo si è sedimentato nei filtri della memoria.

Ho pensato che avrei dovuto rivivere dentro quel film, che per me è una specie di bussola, anche attraversandolo musicalmente.
Un bisogno prima di tutto personale che non avrei immaginato, allʼinizio, di condividere.
La manovra di avvicinamento consisteva nel ricondurre il tutto in un territorio a me familiare: riscriverne la colonna sonora, reinventarla.
Non per sostituire la bellissima musica originale, ma per trovare un altro punto di osservazione che mi permettesse di leggere da un’altra prospettiva anche il momento che stiamo vivendo.
Un salto temporale nel suono, perché per me la musica inizia nel suono.
Studiando il film, mi sono imbattuto nella recensione che ne fece J.G. Ballard: mi è parso un possibile punto di partenza da cui trarre spunti per scrivere la colonna sonora. Non solo: quel testo ha innescato altre idee e altre immagini, confluite grazie a Elisabetta Pacini in una sceneggiatura a esso liberamente ispirata.
Con Orazio Guarino, che con me si è occupato della regia, quella sceneggiatura è diventata il cortometraggio A Man Falling, un film che parla di un altro film, perché il cinema è la materializzazione della nostra vita psichica e ne sonda i tempi.
Il nostro è una sorta di proemio, un modo per stabilire un contatto rispettoso, cauto, con La Jetée.
La nostra rampa di accesso a mondi lontani non è la banchina dell’aeroporto di Orly, ma un’antica strada romana, la via Appia.
Vista ora non è più solamente il punto di partenza per i viaggi da un paio di millenni, ma un punto di accesso ad un altro luogo nel tempo, e non necessariamente il passato.
La via Appia antica è la mia Jetée.
Michele Riondino è il protagonista di A Man Falling, un uomo ossessionato da immagini della sua memoria, immagini che lo cercano da diversi periodi temporali della sua vita.
Quellʼuomo viene liberato dalla prigionia della memoria da una persona che ha generato immagini straordinarie per tutta la propria vita: la regista Liliana Cavani.

credits:

A MAN FALLING (2021)
un film di Teho Teardo e Orazio Guarino
con Michele Riondino e Liliana Cavani
Con le voci di:
Enda Walsh (voce dello speaker radiofonico)
Blixa Bargeld (voce di tre animali nascosti nellʼerba: volpe, corvo, lepre)

La Jetée (1962)
un film di Chris Marker

Dal vivo:
Teho Teardo – chitarra baritona, elettronica, campane
Laura Bisceglia – violoncello
Ambra Chiara Michelangeli – viola

Nuovo disco ("Precipice", Ipecac Recordings, release date 29 aprile 2022) e tour europeo a maggio per i dälek, che da oltre vent'anni portano avanti, senza passi falsi e cedimenti, un sound cupo e corrosivo, che unisce rap/hip-hop e punk/noise e fa da base a rime rabbiose e taglienti.

Comunicato "Poste e Telegrafi"

LEE RANALDO & RAÜL REFREE 

"Names of North End Women" esce il 21 febbraio 2020 su vinile, CD e in digitale su Mute [PIAS]

Names of North End Women (Official Video)

Light Years Out (Official Video)

Ranaldo e Refree lavorarono assieme all’ultimo album solista di Ranaldo intitolato Electric Trim (Mute, 2017) e dopo che la coppia tornò in studio per registrare il successivo, realizzarono che Name of North End Women sarebbe diventato ciò che Ranaldo descrive come “l’inizio di una nuova collaborazione, una nuova configurazione.”
Per uno dei più grandi chitarristi della sua generazione secondo Rolling Stone e Spin, (Ranaldo ha co-fondato i Sonic Youth nel 1981) e per un artista che ha riscoperto la chitarra tradizionale da flamenco (l’album di Refree con Rosalía continua a crescere in tutto il mondo), questo lavoro contiene brani con un utilizzo della chitarra quasi nullo. Il duo ha composto la musica utilizzando la marimba, il vibrafono, dei campionatori, un registratore a nastro Studer vintage e un registratore modificato che Ranaldo ha usato nelle sue performance 25 anni fa.
“Abbiamo mixato suoni analogici e strani provenienti da vecchi registratori, abbiamo fatto i conti con il fruscio dei nastri e abbiamo mescolato tecnologie nuove con tecnologie vecchie,” afferma Ranaldo. Alcuni elementi di un misterioso nastro che Ranaldo trovò anni fa sbobinando lo Studer quando lo comprò – suoni di batteria, porte che sbattono, persone che parlano – formano la colonna portante di questi brani. Sembrava che la musica potesse provenire da qualsiasi parte.
Questo disco è nato utilizzando campionatori e registratori,” afferms Refree, “come la musica sperimentale, la musique concrete, i poliritmi.” Procedendo, le loro astrazioni si materializzavano in canzoni, i loro ritmi elementari, i ronzii d’ambiente e i campionatori danneggiati rivelavano melodie nascoste e pattern profondi. Ranaldo e Refree si scambiarono idee melodiche e aggiunsero la voce ai brani, cantando oltre allo spoken word che avevano già pianificato per queste tracce. Il processo dal quale nacquero le parole è analogo a quello della musica: Ranaldo ricompose poesie dal suo archivio, scrisse nuovi pezzi e aggiunse versi di Jonathan Lethem – che lo aiutò a scrivere i brani di Electric Trim.
Il risultato è un album vivo di sperimentalismo elettrico, e allo stesso tempo gratificante in quanto collezione di brani.
Il titolo dell’album e il titolo del singolo provengono da un’esperienza che Ranaldo ebbe camminando in un quartiere nella zona nord di Winnipeg, Manitoba. Tutte le strade erano chiamate con nomi di donne: Lydia, Kate, Dagmar, Harriett, Juno, ecc. – solo nomi di battesimo, ciò implicava qualcosa di anonimo o universale. Chi sono o chi erano queste donne, non viene indicato e questa scelta lascia un po’ di mistero…nella nostra società gli uomini sono chiamati con il loro nome completo, ma questi nomi anonimi probabilmente erano dei rimpiazzi per tutte coloro che rimangono ignote e indeterminate nella nostra società. Ranaldo si appuntò i nomi nella forma di una poesia, e afferma, “in qualche modo è diventato un impulso per i testi in termini di persone che entrano ed escono dalla vita di qualcuno, alcune sono significative, altre fugaci.” Continua, “Ebbi quest’idea di utilizzare i nomi di battesimo come espedienti per caratterizzare i testi. Questo meccanismo non è presente in tutti i testi, ma molti lo utilizzano.”
“Questo album allenta i vincoli dietro all’idea di come deve essere una canzone, e sia io che Raül siamo entusiasti di vedere quanto lontano potrà andare,” afferma Ranaldo. Per ora, prendete il vostro tempo per assimilare Names Of North End Women, i suoi tesori nascosti e le sue svolte inaspettate, e riflettete su dove la collaborazione tra Ranaldo e Refree potrebbe portarli.

Jerusalem In My Heart, uno dei progetti più acclamati, senza compromessi e sempre in evoluzione della scena d'avanguardia araba/levantina del XXI secolo, torna con un album di elettronica ed elettroacustica visceralmente espressivo, scandito dal cantato e parlato in lingua araba, dal buzuk, dall'elettronica e dal sound design del musicista e produttore libano-canadese Radwan Ghazi Moumneh. Intitolato Qalaq l’album è in uscita per l’etichetta canadese Constellation l’8 di ottobre.

Qalaq è ad oggi l'album più intenso, articolato e finemente cesellato di Jerusalem In My Heart. Nonostante la presenza di un diverso collaboratore per quasi ogni traccia, risulta profondamento coeso, significativo a livello emotivo, avventuroso a livello sonoro e potente a livello narrativo tanto quanto tutte le altre uscite precedenti. La lista degli ospiti include Lucrecia Dalt, Tim Hecker, Moor Mother, Greg Fox, Rabih Beaini, Alanis Obomsawin, ed altri.

“Qalaq” è una parola araba che Moumneh intende nel suo significato di "profonda preoccupazione". Una preoccupazione sicuramente a livello globale, ma allo stesso tempo riferita in modo particolare al suo Libano e alla sua Beirut; alla politica interna, all’economia e alle infrastrutture al collasso di questo paese e alla tragica situazione geopolitica di quell’area geografica.

“Le tracce del secondo lato dell’album si intitolano tutte 'Qalaq' e sono seguite da un numero, ad indicare il grado che la violenza stratificata e complessa ha raggiunto negli ultimi due anni in Libano e nei paesi del Levante. Dal completo e totale fallimento dello stato libanese, contraddistinto da continue divisioni interne, che ha portato l'economia ad un brusco arresto, alla disastrosa gestione dell'afflusso di migranti dai vicini stati falliti. Dalla corruzione endemica che ha portato all'esplosione nel porto di Beirut dell'agosto 2020, all'ultimo capitolo della cancellazione della Palestina e all'ennesima brutale campagna di bombardamenti unilaterale e sproporzionata su Gaza” dice Moumneh.

Moumneh definisce Qalaq una sorta di "immagine speculare" di Daqa’iq Tudaiq, il precedente album di JIMH del 2018, di cui un lato era composto da un pezzo di 20 minuti suddiviso in 4 movimenti registrato live a Beirut con un'orchestra di 15 elementi su di una reinterpretazione di Moumneh del brano “Ya Garat Al Wadi” di Mohammad Abdel Wahab and Ahmad Shawqi.

Per contro Qalaq è stato composto con un'orchestra “smantellata", attraverso "uno spazio-tempo dissociato/isolato". I musicisti coinvolti hanno collaborato attraverso lo scambio di file a distanza su parti dissezionate, lavorando su bozze iniziali di Moumneh con un canovaccio ancora molto aperto.

“Ho composto l'album a partire da una struttura di base, dando a ciascun artista una sezione da scomporre, modificare, reinterpretare e ricomporre come desiderava. Una volta ricevuti i vari contributi li ho resi miei remixandoli e plasmandoli nella composizione generale in una ritrovata coerenza. " racconta Moumneh.

Il risultato è un album che contiene quasi il doppio del numero di tracce di qualsiasi uscita precedente, pur suonando come il lavoro più organico di JIMH. Qalaq è caratterizzato da una diversità di approcci e processi artistici, ma mantiene una sua precisa estetica sonora accompagnata da un profonda comunione di forza narrativa e capacità di emozionare.

L’artwork dell'album, composto da un'immagine scattata dalla fotografa Myriam Boulous durante la Rivoluzione d'Ottobre di Beirut del 2019 in copertina, e da fotografie di Tony Elieh che ritraggono le conseguenze dell'esplosione del porto di Beirut nel libretto interno, contestualizza ulteriormente la specificità e le lamentazioni di Qalaq - la profonda preoccupazione interiore che ne è la premessa.

Qalaq riconferma come membro di Jerusalem In My Heart la regista sperimentale Erin Weisgerber, che aveva intrapreso il suo primo tour con JIMH nel marzo 2020, esibendosi in due spettacoli prima che il tour fosse improvvisamente sospeso a causa del Covid.

 

Il fenomenale film di Weisgerber per “Qalouli”, il primo lavoro del duo realizzato lo scorso anno per la serie Corona Borealis Longform Singles Series della Constellation offre uno scorcio su ciò che sarà la parte video del progetto.

official release page (Constellation Records)

listen to Qalaq 3, 4, 5

tour teaser

videos: 

Abyad Barraq

Qalouli

Thahab, Mish Roujou', Thahab

Ta3mani; Ta3meitu

7ebr El 3oyoun

DON ANTONIO

Amyra (fka Amy León) 

L'eccellente recensione su Ondarock

"Richard Youngs è una della menti più geniali - la più geniale - del rock inglese non allineato. Improvvisata, minimalista, cantautorale, progressive, folk, elettronica, sperimentale: non c'è musica in cui egli non si sia misurato" (Stefano Isidoro Bianchi, Blow Up)

Produzione vasta, quella di Richard Youngs, diasporica e per certi versi illogica così come dovrebbe probabilmente essere quella di un costante ricercatore... ma molta di questa produzione continua ad essere generata da quel nucleo pulsante che si agita attorno al concetto di canzone... Ogni disco di Youngs sposta il baricentro rispetto al precedente e tuttavia ha il merito di muovere dallo stesso comun denominatore, un nucleo di sentimenti ed emozioni primordiali, pure, cristalline. Tutto questo è assai più evidente quando la materia sonora incisa da Youngs si fa disadorna e scarna per nutrirsi solamente di una chitarra acustica, qualche delay parcamente manipolato, alcuni effetti e la sua voce oramai non assimilabile a nient’altro se non alla voce di Richard Youngs. 

Youngs (che a dispetto di studi classici di chitarra e piano è cresciuto all'ombra del punk rock, portando avanti negli anni tecniche di registrazione rivoluzionarie e facendosi sostenitore dell'etica e dell'estetica DIY) ha all'attivo circa 140 (!) uscite discografiche, divise tra Jagjaguwar, VHF, la sua personale etichetta (No Fans Records) e altre label avventurose. Ha lavorato con membri del Conservatorio Reale di Scozia, collaborato (tra gli altri) col filmmaker scozzese Luke Fowler, con Alaistar Galbraith (vincitore di un Arts Foundation of New Zealand Award), con il musicista portoghese David Maranha,e il chitarrista giapponese Makoto Kawabata (Acid Mothers Temple). E' stato il bassista delle prime esibizioni dal vivo di Jandek e di tanto in tanto suona in duo con Damon Krukowski (Galaxy 500; Magic Hour; Damon and Naomi); ha scritto una colonna sonora per la BBC e per alcuni film d'arte, suona la drum machine con i Flexibles ed è il cantante degli AMOR (al cui interno militano il già citato Fowler, il bassista norvegese Michale Duch  e Paul Thompson, batterista dei Franz Ferdinand!). 

"Belief", l'ultimo lavoro di Youngs, doveva essere qualcosa più di un semplice disco, quasi, piuttosto, un esperimento di arte concettuale. C’è il metodo: bedroom pop (pop inteso à la Youngs, sia chiaro) fatto in casa su una base di campionamenti casuali mandati a tempo con pezzi classici (non è dato sapere quali). L’idea era di mandare il lavoro finito a una serie di etichette discografiche e raccogliere le lettere di rifiuto come una sorta di meta-riflessione sul pop stesso. La storia del disco prosegue con Tim Burgess (The Charlatans) che ascolta i brani e definisce Belief  “pop gnostico”, facendolo uscire per la sua O Genesis Recordings.

"...rich and enthralling..." - Uncut

"...resonantly, universally affecting..." - The List

"...a work of transcendent melancholy..." - The Quietus

Qui la recensione di Sentire & Ascoltare

"North Dakota Impressions" è il nono disco in studio di Tom Brosseau, folksinger del North Dakota ora residente a Los Angeles, nonché l'ultimo capitolo di una trilogia - inaugurata da "Grass Punks" (2013) e proseguita con "A Perfect Abandon" (2015) - nella quale Tom porta l'ascoltatore a spasso tra i ricordi e le immagini della sua terra natia.

Anticipato dal singolo “The Wilderness” è uscito il 20 ottobre su Sinderlyn “In a Time Of Trouble a Wild Exultation”, terzo disco in studio del cantautore Jaye Bartell.

Dopo aver passsato il 2016 in tour come suppporto a Kevin Morby Bartell ha fatto ritorno a casa ad Asheville per lavorare sul nuovo materiale affiancato dal produttore Adam McDaniel e da amici di lunga data come Angel Olsen, Shane Parish & Ryan Oslance (Ahleuchatistas), J Seger, Emily Easterly, Michael Libramento, e Noel Thrasher.

Bartell, già in Italia lo scorso marzo, è uno dei più interessanti e promettenti autori di nuova generazione. Si fa notare per una scrittura asciutta, supportata da testi taglienti, e una voce particolare, cavernosa e a tratti indolente, che ricorda Bill Callahan/Smog, Calvin Johnson o certe cose dei Magnetic Fields... 

Questo il video di "Give Erin A Compliment (So Kind)", con la collaborazione di Angel Olsen

"Jaye Bartell's voice has a deep resonance reminiscent of Leonard Cohen. His words combine storytelling and poetry into powerful songwriting." - NPR

"Jaye Bartell has one of those unusual voices that’s strangely beautiful despite being unconventional, like Arthur Russell or Morrissey." - No Depression

Nuovo album e tour per A Hawk and A Hacksaw, il duo di Albuquerque, New Mexico, composto da Jeremy Barnes e Heather Trost.
C'era molta attesa per il loro ritorno. Il loro ultimo lavoro, il bellissimo "Shadows of Forgotten Ancestors" ispirato al capolavoro del cineasta armeno Paradjanov (peraltro da loro sonorizzato) risale infatti al 2012; poi è stata la volta del lunghissimo tour di reunion dei Neutral Milk Hotel, band di cui Barnes è batterista, a cui hanno fatto seguito vari viaggi in giro per il mondo per cercare nuovi stimoli e ispirazione nonché l'esordio solista della Trost, "Aegistri", ottimo disco di pop atmosferico à la Stereolab.
Il settimo album di A Hawk and A Hacksaw si intitola Forest Bathing, esce il 13 aprile per l’etichetta dello stesso Barnes, la Living Music Duplication, e conferma l'amore del duo per i suoni e le tradizioni est europee.

“Forest Bathing” è la traduzione inglese del giapponese “Shinrin-yoku” e indica una pratica (nata intorno agli anni ’80 e affermatasi nell’ambito della medicina preventiva) consistente nell’immergersi nell’atmosfera di una foresta per sfruttare il potere terapeutico della natura e liberarsi da stress e malessere. 

Il termine ha ispirato Barnes e Trost, dediti a praticare il “forest bathing” nel National Wildlife Refuge della Valle De Oro, nel New Mexico.

La traccia d’apertura, “Alexandria”, vede Barnes suonare il Santur persiano, un antico dulcimer percosso da un martelletto, mentre Trost crea le sue melodie con archi e strumenti a fiato. Il brano evoca la lunga via del commercio che collega quella che oggi è la Bulgaria e le antiche e ricche città di Istanbul e Alessandria. Il sottotitolo della canzone dice: “il mercante da Koprivshititsa parte da Alessandria per vendere stoffe. Sulla strada del ritorno sogna la musica che ha ascoltato là”.

La band ha sempre puntato gli occhi su questa parte del mondo, alla ricerca di connessioni tra luoghi ed epoche storiche e convinta del potere della musica di superare i confini e unire. Se qualcuno ascoltasse “Forest Bathing” senza sapere chi siano o da dove vengano i musicisti, non penserebbe mai a un duo americano del New Mexico, terra a cui peraltro i nostri sono molto legati. Alla base del progetto c’è l’idea di raccogliere musica e ispirazione tramite il viaggio e la lunga genesi del disco trae infatti la propria linfa vitale dai viaggi del duo nel corso degli anni in Bulgaria, Albania, Turchia, Grecia e Romania.

Quella di A Hawk and A Hacksaw non è musica ‘urbana’ ma rurale, bucolica: le loro sono canzoni di boschi e di sentieri, di strade senza marciapiedi né luci che illuminano il cammino. “A Broken Road lined with Poplar Trees” descrive proprio questo: la polvere, il sole estivo e una melodia familiare che ti rimane sulla lingua. “Babayaga”, scritta da Trost, è un tributo alla mitologica strega Babayaga che appena un bambino le corre incontro tira fuori un bastone. “The Washing Bear” è una giocosa esplosione di ottoni che collega la musica serba a quella dei loro fratelli meridionali di Albania e Turchia.

Pur essendo suonato per la gran parte da Barnes e Trost , “Forest Bathing” ha visto la partecipazione di alcuni ospiti incredibili: il virtuoso del clarinetto Cüneyt Sepetçi, da Istanbul, il maestro ungherese di cimbalon Unger Balász e, più vicini a casa, il trombettista di Chicago Sam Johnson, John Dieterich dei Deerhoof e Noah Martinez della band Lone Piñon.

Il tour europeo parte dall’Italia a inizio aprile (e vi farà ritorno un mese dopo, per un’altra manciata di date prima del rientro negli Usa). 

teaser del disco 

Dopo una stagione di sold-out shows nei teatri, club, jazz club e festival d’Italia e beyond,

La roots, jazz, blue eyed soul, e homespun folk Scozzese band, Emma Morton & the Graces, sono di nuovo in tour a presentare il loro disco Why Fall – che offre diversi ospiti e collaboratori come Platinum Selling Artist Raphael Gualazzi, Gabriele Evangelista, Mirco Rubegni, Antonio Gramentieri e Grammy Winner Gene Paul. 

 

I concerti di Emma Morton & the Graces offrono molto di più che un sound-cocktail,  psicotropico, unico e sprizzante di sapori dal’Afro-americano al folk scozzese; le improvvisazioni cariche di emotività ed il loro dialogo spontaneo ed autentico va al di là dell'esecuzione musicale e non solo coinvolgono il pubblico ma lo invita a prendere parte ad una ricerca di verità attraverso la discoperta e l’esplorazione di bellissime contaminazioni nascoste che ornano e al contempo distorcono la prosodia della vita quotidiana.

 

Emma Morton & the Graces trascinano nel loro mondo evocativo e misterioso pieno di esperienze in oscillazione tra amore e odio, oppressione e libertà. Lo sguardo erratico di Emma e i suoi toni febbrili e profondi donano ad ogni esibizione l’intimità di una confessione. Emma non si risparmia… accompagnata da una band altrettanto generosa, composta da tre musicisti che tuonano e ruggiscono come fossero una tempesta.”

Volver Magazine, 2017.

 

 

Emma Morton – Voice

Piero Perelli – Drums

Roberto Villa – Doublebass

Luca Giovacchini – Guitar

As performers, Emma Morton & the Graces have definitely been around the block; Festivals, Clubs, Theatres, Television and Radio stations have all been playgrounds for them to push experimentation and “connection” – feeding off the interplay demanded by each audience’s unique and peculiar energy. 

Individually, hanno collaborato and performed con artists come Olly Murs, Glen Hansard, Rapahael Gualazzi, Gary Lucas,  Dana Fuchs, Vinicio Capossela, Bobby Johnson, R.L. Burnside, Frank Frost, Sam Carr, Pianco C. Reed, Stefano Bollani, Enrico Rava, Maurizio Geri and Francesco Guccini

video e suoni

Spanish Mary (Sofar Verona)

I Want You (B. Dylan cover)

Moonshiner's Daughter (live from the field)

Performer transgender, pianista, orso arpista, gatta fisarmonicista, artista di strada, ex organista di chiesa, cantante, membro della band di Marc Almond e dei Current  93, collaboratrice di Bonnie Prince Billy, Larsen, Andrew W.K., Antony and The Johnsons: questa e  altre ancora le incarnazioni di Baby Dee, artista poliedrica e inafferrabile, classe 1953, originaria di Cleveland. Le sue tante anime e le più disparate esperienze di vita sono condensate nella musica che scrive e nelle canzoni che interpreta:  poetiche, ironiche, struggenti e graffianti.

L'ultimo album di Baby Dee è del 2015, si intitola "I am stick" ed è uscito sull'inglese Tin Angel Records. Dee l'ha definito un “road album”, musica da viaggio che va dappertutto toccando sentimenti come l’amore, il dolore, la mancanza di vergogna, la stupidità e la tranquillità.
Vi hanno collaborato Christina De Vos, Colin Stetson e una band formata da Alex Neilson (batteria) Joe Carvell (Basso) Victor Herrero (chitarra) Jordan Hunt (archi).

www.babydee.org 

http://www.thewire.co.uk/audio/tracks/hear-baby-dee-track
video "The Dance of Diminishing Possibilities"
video "Safe Inside The Day"
Intervista per Indie Eye

Musicista, poetessa ed educatrice nata ad Harlem e ora residente a Brooklyn, Amy Leon si è esibita in moltissimi spettacoli negli States e in tutto il Regno Unito, collaborando con realtà del calibro di BBC, Roundhouse, Amnesty International. Allieva del Nuyorican Slam Team, fonde musica e poesia attraverso performance di bruciante intensità, in cui affronta i temi dell'ineguaglianza sociale tra bianchi e neri e celebra l'amore, la 'blackness' e ciò che significa essere donna.

"This is where all of my passion lies. In music, in words, in the harmonies of life" A.L.

"This"